Divina comedia Salvador Dali

Salvador Dalí fue contratado por el gobierno italiano en 1960 para ilustrar la Divina Comedia de Dante Alighieri, en conmemoración de los 700 años del nacimiento del poeta. En este proyecto, Dalí fusiona la antigua figura del artista y artesano, realizando un trabajo minucioso sobre madera que destaca en medio de la industrialización artística. 

La representación de la cuarta terraza del purgatorio, con colores intensos como el rojo y el azul, muestra la transición entre el bien y el amor incumplido. Esta obra, con aproximadamente 4765 ediciones, destaca por su simpleza y minimalismo, atrayendo incluso a aquellos que no son seguidores del estilo de Dalí.

Título original: 'La cuarta terraza' Colección particular Técnica: Grabado (33 × 26 cm.)

Jeremy Mayer arte diseño

Un maestro escultor transforma máquinas de escribir antiguas en sorprendentes aves de estética cyberpunk, fusionando el encanto nostálgico de estos dispositivos con su visión creativa. Jeremy Mayer canaliza su fascinación por el diseño y la ingeniería de estas máquinas en esculturas meticulosamente ensambladas, utilizando piezas recolectadas de diversos modelos sin recurrir a pegamentos ni soldaduras. 

 Sus creaciones capturan con maestría la esencia de las aves, desde cuervos que giran la cabeza hasta gráciles gorriones con alas extendidas, fusionando arte y tecnología en una expresión única. “Mi proceso de estudio consiste en construir un enorme rompecabezas con infinitas combinaciones, usando sólo lo que tengo a mi disposición en el momento de deconstruir el material de partida. La construcción implica mucho desmontaje y luego montaje de la escultura en curso, ya que las cosas no siempre se quedan unidas o no se ven del todo bien a la primera. Puede ser increíblemente frustrante, pero, al final, siempre es gratificante”.

Frida Kahlo Autorretrato aborto

'El aborto' de Frida Kahlo, un ultra-autorretrato de sus sentimientos. Este es el único ejemplo de grabado de Frida Kahlo. Sólo existen tres de las doce copias que realizó de esta litografía. Las demás las destruyó. La artista acababa de sufrir un traumático aborto y decide canalizar ese dolor por medio del arte. Realizó este grabado en el que muestra un ultra-autorretrato de sus sentimientos en ese verano de 1932 que pasó en la ciudad industrial de Detroit. 

Frida aparece desnuda (no sólo físicamente, sino que en no oculta ni un ápice de sus emociones a flor de piel), y llorando. La luna en el cielo llora con ella. Unas gotas de sangre caen por una de sus piernas, regando la tierra y haciendo crecer vegetación. La ley de la naturaleza ya dice que de la muerte surge la vida. En su otra pierna, un finísimo cordón umbilical se va enrollando hasta acabar en el feto, mostrado casi como un ídolo precolombino. Otros fetos aparecen sobre él. La artista ya había tenido otros abortos. Frida tiene aquí tres brazos. El tercero agarra una paleta en forma de corazón, como si la pintura fuera su único consuelo en ese momento de dolor y soledad. Diego no estaba ahí, estaba trabajando. Sólo le hacía compañía su arte. A modo de diario personal, en el margen izquierdo del grabado la artista escribió en inglés: «Estas pruebas no son ni buenas ni malas a la vista de tu experiencia; trabaja duro y conseguirás mejores resultados».

Arte BodyPainting Johannes Stötter

Las camaleónicas e impresionantes artes corporales de Johannes Stötter. El complejo e impresionante arte corporal o body painting de Johannes Stötter, es creer que vemos animales como loros o camaleones donde en realidad hay cuerpos humanos pintados y decorados con absoluta destreza. 

 Stötter ha sido campeón del mundo de pintura corporal y, junto a sus modelos.  El proceso creativo de este peculiar artista queda plasmado en vídeos del proceso y en capturas en las que observamos que finalmente los brazos, las piernas y las siluetas de sus modelos masculinos y femeninos acaban formando parte de otros animales salvajes que no somos nosotros y nosotras.

Artista Rajacenna van Dam

Tiene 29 años, es holandesa y dibuja igual de bien con la mano izquierda, que con la derecha, pero también con el pie izquierdo y el derecho. Rajacenna van Dam es capaz de hacer retratos hiperrealistas con cualquiera de sus extremidades y, lo que es aún más increíble, al mismo tiempo.

Con cuatro pinceles, lápices o rotuladores, esta artista puede crear cuatro obras al mismo tiempo usando sus dos pies y manos para ello. Una habilidad que nos deja con la boca abierta no solo por su habilidad, sino también por la calidad de todos sus trabajos. “Me sorprendió cuánto control tenía sobre mis pies, no me había dado cuenta antes. Hasta ahora, había estado pintando pensando que mis pies no servían para el arte, pero he descubierto que pueden hacer más de lo que creía”.

Artista Andy Warhol

Sus padres eran inmigrantes eslovacos muy humildes y su infancia fue dura. Andy Warhola (nombre real) nació en Pittsburgh, en Agosto de 1928. Padecía la enfermedad de Huntington, y muchas veces debió guardar cama. Allí dibujaba y pintaba rodeado de revistas y paredes decoradas con fotos de estrellas de cine. Al fallecer su padre, la familia quedó en la miseria, y Andy estableció un fuerte vínculo con su madre. Graduado en diseño gráfico, en 1949 se trasladó a Nueva York. 

Trabajó como ilustrador para las revistas Tiffany & Co, Vogue o Glamour y pronto se convirtió en el publicista más solicitado y mejor pagado. Su primera exposición es en 1952; 15 dibujos basados en la obra de Truman Capote en la Hugo Gallery. Superada la abstracción gestual, a fines de los 50' artistas como John Cage, Yves Klein o Robert Rauschenber, reelaboraron lenguajes alternativos y unieron el arte a las realidades cotidianas. Por el mismo camino, Warhol comenzó a utilizar una técnica llamada blotted-line, para representar objetos de uso diario, pero será a partir de 1960 cuando la serigrafía defina su estilo. 

Acusado desde muchos sectores por reducir el arte a términos de comercio, Andy es el máximo referente del PopArt, que expresó a través del dibujo, la pintura, serigrafía, escultura, música, cine, y televisión. Fue un hombre del renacimiento de los dorados 60's, casi un profeta del siglo XXI. Donde se usa y desecha la volatil fama, los medios reemplazan la verdad por fake news, y los reality shows sustituyen a la vida misma. Warhol predijo que todos podíamos ser famosos aunque sea por 5 minutos.

Pintura Peral Flor VanGogh

'Pequeño Peral en Flor' fue pintado por Vincent Van Gogh en la primavera de 1888.  En esos meses pintó 15 obras de árboles floreciendo. En una carta a su hermano Theo, Vincent se refirió a esta obra diciendo: "Ahora también tengo un pequeño peral, vertical, con otros dos lienzos horizontales en ambos lados." Actualmente se encuentra expuesto en el Museo Van Gogh, Ámsterdam.

Madres inspiradoras artistas VanGogh

Anna Carbentus Van Gogh. La madre del famoso Vincent. Hace algunas décadas, las mujeres tenían que casarse muy jóvenes para seguir lo estipulado por la sociedad. A pesar de eso, la madre de Van Gogh se casó a los 32 años. Ella era una artista aficionada que crió a sus hijos en un ambiente que motivaba a la creación. Al ser amante de la naturaleza, toda la familia la ayudaba a mantener verde el jardín familiar. Y ese amor por la naturaleza se quedó en la mente y el corazón de Vincent. Quién sabe… tal vez se reencontraba con su madre en aquellos paisajes. 

María Picasso López.  Fe ciega. Esas palabras describen cómo la madre de Pablo Picasso creía en el potencial de su hijo. Tanto así que se dedicó a guardar las pinturas y dibujos de su hijo desde que era un niño hasta su adolescencia. Y uno de los retratos más recurrentes es el de ella. Al ser la presencia femenina más habitual en su infancia, María se convirtió en la modelo de Picasso hasta su adolescencia. Al rededor de 30 dibujos y bocetos muestran a su madre realizando las labores del hogar. Ella sabía que su hijo llegaría lejos por lo que siempre encontró la manera de impulsar su carrera. A lo largo de su vida permanecieron en contacto, hasta que murió en 1938. Tan grande fue su amor que utilizó su apellido materno, dándole fama mundial y honor a su mamá.

Remington Robinson paisajes latón

Las pinturas de impresionistas como Monet o Renoir son famosas por captar con precisión la atmósfera de la naturaleza. Los pintores contemporáneos han encontrado formas muy diversas de continuar con esa práctica. El artista crea obras maestras en miniatura de paisajes de EE.UU. y del extranjero y las guarda dentro de las cajas de latón Altoid, marca que comercializa caramelos mentolados en estas pequeñas latas.

"Utilizo un nuevo recipiente cada vez, y cuando termino, el cuadro se queda con el recipiente en el que se pintó, junto con la paleta de pintura que se utilizó para crearlo". Puede tardar entre una y tres horas en terminar sus pinturas en miniatura, dependiendo de la escena que elija.

Fantasias muralista Hula arte

El muralista Hula usa como lienzo los muros y como base de sus creaciones los ríos, los pantanos o los entornos de las presas, crea fantasías figurativas o abstractas que parecen emerger del agua. Este artista, cuyo nombre real es Sean Yoro, vive en Los Ángeles y le gusta remar por pasos subterráneos a los que solo se puede acceder por agua; elige ubicaciones sobre una tabla de surf en la que lleva una cantidad mínima de suministros. Todas sus pinturas, pinceles y otros materiales deben caber dentro del espacio que tiene la tabla. "Tuve que aprender no solo una forma más rápida y eficiente de pintar mientras estaba en una tabla de surf, sino también la combinación de capas necesarias para poder adaptarme a las mareas y otras variables que podrían restringir ciertas áreas de la pared", comparte. 

La visibilidad de las obras a gran escala de Hula cambia según el nivel del agua, lo que permite que los patrones celestiales que marcan los rostros de sus sujetos o las manchas de pintura en sus espaldas se asomen más o menos. “Me encantó incorporar elementos más surrealistas a mis figuras pintadas, siempre tratando de equilibrar la estética del agua y el hormigón”, dice. Además de sus murales acuáticos, el artista también pinta obras más pequeñas sobre lienzo y vende impresiones de edición limitada en su tienda.

DaVinci Caballo Autoretrato obras

El caballo de Leonardo en el hipódromo de San Siro, Milán. El enorme caballo de bronce imaginado por Leonardo da Vinci entre 1482 y 1493 y realizado posteriormente por la escultora Nina Akamu se encuentra en el hipódromo de Milán, en Italia. 

¿Autorretrato de Leonado?.  Este dibujo de un hombre de edad avanzada es reconocido universalmente como un autorretrato de Leonardo da Vinci. La obra fue descubierta en el sigo XIX y, según estudios actuales, habría sido realizada en fechas en torno a la partida del artista a Francia. Aunque no hay dudas sobre su autoría, también se ha identificado la imagen como el estudio de un personaje, un filósofo antiguo o su padre, Piero. Biblioteca Real, Turín.

Artista paperboyo recortes papel

Este artista transforma el mundo con recortes de papel.   Todo comenzó cuando "Paperboyo", como también es conocido en las redes, decidió que quería conocer más sobre su ciudad y fotografiarla como un turista, pero con un toque original. Entonces, se le ocurrió tomar un recorte de papel y convertir el Big Ben en un reloj pulsera. A partir de ese momento, no paró de transformar la realidad con siluetas, dándole otro sentido a puntos turísticos de ciudades como Barcelona, San Francisco, Copenhague o París. Los resultados son increíbles, y el mejor lugar para disfrutar de sus creaciones es en su cuenta de instagram.

Obras arte maspequeñas alfiler

Cuando tenía cinco años, Willard Wigan comenzó a crear pequeñas esculturas. Las primear eran casas para hormigas porque pensaba que necesitaban un lugar para vivir, además creyó que estaban desamparadas, así empezó a crear zapatos y sombreros para ellas. Hoy es famoso en el mundo por realizar trabajos artísticos tan pequeños que caben en el ojo de una aguja o en la cabeza de un alfiler.

Para desarrollar cada micro escultura entra en estado de meditación especial, en el que disminuye lo latidos del corazón, lo cual le permite aminorar el temblor de las ; además trabaja de noche, pues las ondas generadas por el tráfico de la ciudad afectan su labor. Algunos expertos consideran su obra como la "octava maravilla del mundo", y ha recibido reconocimientos de manos de la reina Isabel II de Inglaterra, quien le encargó una pieza especial para la celebración de sus 50 años de reinado: una mini corona.

Artista Nahui Olin

La artista María del Carmen Mondragón Valseca, mejor conocida como Nahui Olin, es un personaje enigmático en la historia del arte nacional. En México en el Munal se puede ver la exposición Mirada Infinita, exposición que pretende dar una mirada mucho más completa de la pintora, poeta y escritora en el 124 aniversario de su nacimiento.

Arte de ser fotógrafo

Ser fotógrafo es mostrar al mundo lo que otros no pueden ver, para algunos es tomar las fotografías más grandes nunca antes vistas, tener las fotos más importantes, tomar las fotos más icónicas y las fotos más influyentes. Puede haber fotógrafos de varios géneros,como foto periodismo, fotografía de calle, fotografía de moda, retrato, fotografía de naturaleza, paisaje y fotografía artística. De estos último destaca como fotógrafo mexicano German Cuellar, cuya pasión es la fotografía y es experto en la foto de arquitectura avalado por varias instituciones y despachos con las cuales ha colaborado.

En sus fotografías que ha tomado a lo largo del planeta nos muestra aquello que quizá nuestros ojos nunca lleguen a ver y lo hace con un gran pasión  que sus fotos nos estremecen. Nunca pensé ver imágenes tan expresivas y que cuando vaya a visitar esos lugares quiero recorrer aquello que German nos muestra en su variada galería. Si quieres alguna de sus fotografías tiene venta de fotos a precios muy accesibles y de edición limitada, quédate por lo menos con una de ellas para que siempre recuerdes ese lugar que tanto te gusta.

Manuel Felguérez artista abstracto

Es perteneciente a la primera generación de  artistas abstractos, confrontada con la tradicional Escuela Mexicana de Pintura encabeza  por Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. Su indicutible  talento artítisco y las características de su arte (existe un sitio donde puedes encontrar todo acerca de características de pintores, política, reino animal y vegetal y muchas más otras cosas que te puedas imaginar, el sitio se llama caracteristicas.info)  le fue abriendo las puertas del éxito tanto en México como en otros 50 países donde ha expuesto sus obras.

¿Por qué utiliza tanto la geometría para pintar y hacer esculturas? "Porque la geometría es parte de las matemáticas y de las formas de la naturaleza, la combinación de círculos, cuadrados y triángulos ha sido la combinatoria que creó el universo.

1577: el Greco llega Toledo España

Desde su arribo a Toledo, España, en 1577, el pinto llamada "El Greco" (Doménikos Theotokópoulos) embelleció esas ciudad. Recibió su apodo por el hecho de haber nacido en la isla de Creta, entonces una posesión de Venecia (ciudad que hoy en dia puedes visitar emparejar tus gastos con la Retribucion flexible) con , en 1541, vivió en la ciudad de los canales y en Roma entre 1566 y 1576, dónde recibió una influencia Italiana renacentista. Al llegar a Toledo trabajó en la Iglesia de Santo Domingo el antiguo, dónde pintó la Asunción. Su estilo dejó atrás las normas del arte italiano y utilizó otros colores, grupos y proporciones. No dejaba ningún espacio en Blanco y alargaba las figuras. Dejó atrás también las ilusiones espaciales del arte Bizantino y adoptó la brusca iluminación, la fragmentación y la libertad de la pincelada. Trabajó en la catedral de Toledo y en la Iglesia Santo Tomé, dónde se conserva su más celebre obra, El entierro del Conde de Orgaz. Aparte de sus obras religiosas, pintó retratos y paisajes de Toledo. Cuándo murió en 1614, fue enterrado en Santo Domingo el Antiguo, rodeado de sus obras, aunque su cadáver fuer retirado del lugar en 1618 y después extraviado.